Бабаева, Н.В. Российский химико-технологический университет им. Менделеева, Москва, Россия Высшая школа нетрадиционной медицины, Нью-Йорк, США. Устойчивое развитие и права человека.

• Как Преобразовать Jpg В Pdf
• Конвертер Pdf В Word Скачать
• Преобразовать Пдф В Jpeg

В в е д е н и е Музыка от древних времен до И. Баха Дорогие ребята! В прошлом году у вас уже были уроки музыкальной литературы.

На них шла речь об основных элементах музыкального языка, о некоторых музыкальных формах и жанрах, о выразительных и изобразительных возможностях музыки, об оркестре. При этом разговор свободно велся о самых разных эпохах — то о древности, то о современности, то возвращаясь к менее или более далеким от нас столетиям. А теперь пришла пора знакомиться с музыкальной литературой в хронологически последовательном — историческом — порядке 1.

Какими путями дошли до нас сведения о музыке Древнего мира Производя раскопки, ученые-археологинашли простейшие по устройству музыкальные инструменты (например, духовые — кости животных с просверленными отверстиями) и определили, что они сделаны около сорока тысяч лет тому назад. Следовательно, уже тогда существовало музыкальное искусство. После того как в 1877 году был изобретен фонограф — первый аппарат для механической записи и воспроизведения звука, музыканты-исследователистали совершать путешествия в те уголки земного шара, где у некоторых племен еще сохранился первобытный жизненный уклад. От представителей таких племен с помощью фонографа они сделали записи образцов пения и инструмен тальных наигрышей.

Но подобные записи дают, конечно, лишь приблизительное представлени е о том, какой была музыка в те незапамятные времена. 1 Слово «хронология» (оно означает «последовательность исторических событий во времени») происходит от двух греческих слов – «хронос» («время») и «логос» («учение»). Сведения о ней становятся все более обильными примерно с X века до нашей эры.

Развивается изобразительное искусство — и художники изображают музыкантов, которые сопровождают пением и игрой на инструментах религиозные обряды, военные походы, охоту, торжественные шествия, танцы. Такие изображения сохранились, в частности, на стенах храмов и найденных при раскопках керамических вазах. Появляется письменность — и авторы рукописей вносят в них поэтические тексты песен и гимнов, сообщают интересные сведения о музыкальной жизни. Со временем писатели уделяют немало внимания философским рассуждениям о музыке, о ее важной общественной, в том числе воспитательной роли, а также теоретическому изучению элементов ее языка. Больше всего подобных сведений сохранилось о музыке в некоторых странах Древнего мира, например в Древнем Китае, Древней Индии, Древнем Египте, особенно много в так называемых античных странах — Древней Греции и Древнем Риме, где были заложены основы европейской культуры 2. О музыке в Древней Греции Убедительным доказательством великой культурно-историческойроли античности служит то, что в Древней Греции в VIII веке до нашей эры родились общественные спортивные состязания — Олимпийские игры. А двумя веками позднее там начали проводить музыкальные состязания — Пифийские игры, которые можно считать далекими предками современных конкурсов.

Пифийские игры проходили при храме, построенном в честь покровителя искусств, бога солнца и света Аполлона. Согласно мифам, он, победив чудовищного змея Пифона, сам учредил эти игры. Известно, что однажды на них одержал победу Саккад из Аргоса, сыграв на авлосе, духовом инструменте, близком к гобою, программную пьесу о борьбе Аполлона, с Пифоном, Для древнегреческой музыки была характерная связь с поэзией, танцем, театром.

Нараспев сказывались героические эпические поэмы «Илиада» и «Одиссея», приписываемые легендарному поэту Гомеру. Певцы обычно были, подобно мифологическому Орфею, авторами и поэтического текста, и музыки и сами аккомпанировали себе на лире.

На празднествах исполнялись хоровые танцевальные песни с пантомимическими жестами. В древнегреческих трагедиях и комедиях большая роль принадлежала хору: он комментировал действие, выражал отношение к 2 Латинское слово «antiguus» означает «древний». Производное от него определение «античный» относится к истории и культуре Древней Греции и Древнего Рима.

Поступкам героев. Современные музыковеды располагают определёнными сведениями о музыке в Древнем мире и тем не менее завидуют историкам других искусств. Ибо сохранилось большое количество великолепных памятников древней архитектуры, древнего изобразительного искусства, особенно скульптуры, обнаружено немало рукописей с текстами трагедий и комедий великих античных драматургов. Но музыкальные произведения, созданные в те же эпохи и даже значительно позднее, остаются для нас, по существу, неизвестными.

Почему так случилось? Дело в том, что изобрести достаточно точную и удобную систему нотной записи (нотацию), ту, которой каждый из вас овладел, еще только начиная учиться музыке, оказалось очень трудной задачей. Чтобы ее решить, потребовалось много столетий. Правда, древние греки изобрели буквенную нотацию.

Они обозначали ступени музыкальных ладов определенными буквами алфавита. Но ритмические значки (из черточек) добавляли не всегда. Лишь в середине XIX века нашей эры ученые разгадали наконец секреты этой нотации. Однако если соотношение звуков по высоте в древнегреческих музыкальных рукописях они смогли расшифровать точно, то соотношение по длительности — только приблизительно. Да и таких рукописей найдено совсем немного, и они содержат записи всего нескольких одноголосных произведений (например, гимнов) и чаще — их отрывков. Вопросы и задания 1.

Когда были сделаны, по мнению ученых, древнейшие музыкальные инструменты? О чем это говорит? Что такое фонограф, когда он был изобретен и как стали его использовать исследователи? О музыке каких стран Древнего мира сохранилось больше всего сведений? Определите по карте — вокруг какого моря были расположены три такие страны.

Когда и где стали проводиться древние музыкальные состязания — Пифийские игры? С какими искусствами была тесно связана музыка в Древней Греции? Какую нотацию изобрели древние греки? В чем она неточна? Как была создана удобная нотация В Средние века (началом этого исторического периода считают VI век нашей эры) буквенная нотация была почти забыта.

В ней не было 3. Достаточной наглядности. Поэтому музыканты долго пользовались вспомогательными значками-подсказками.

Эти значки помещались над словами песнопений и обозначали либо отдельные звуки, либо их небольшие группы. Они не указывали точного соотношения звуков ни по высоте, ни по длительности. Зато своим начертанием они напоминали о направлении движения мелодии исполнителям, которые знали ее наизусть и передавали от одного поколения к другому. В странах Западной и Центральной Европы, о музыке которых в дальнейшем будет идти речь в этом учебнике, такие значки назывались невмами.

Невмы применялись при записи старинных католических богослужебных песнопений — григорианского хорала. Такое общее название произведено от имени папы римского Григория I 3. По преданию, он составил в конце VI века основное собрание этих одноголосных песнопений. Предназначенные для исполнения во время церковной службы только мужчинами и мальчиками — соло и хором в унисон, они написаны на молитвенные тексты на латинском языке 4. Ранние невменные записи григорианского хорала невозможно расшифровать. Но в XI веке итальянский монах Гвйдо д'Арёццо («из Ареццо») изобрел новый способ нотации. Он обучал в монастыре мальчиков-певчихи хотел, чтобы им было легче запоминать духовные песнопения.

К тому времени невмы стали помещать на горизонтальной линии, над и под ней. Эта линия соответствовала одному определенному звуку и тем самым устанавливала примерный высотный уровень записи. А Гвидо придумал проводить сразу четыре параллельные линии («линейки») на одинаковом расстоянии друг от друга и располагать невмы на них и между ними. Так возник предок современного нотного стана — как бы строго расчерченная канва, позволявшая точно указывать высотное соотношение звуков по тонам и полутонам. И при этом нотная запись стала более наглядной — словно рисунок, изображающий движение мелодии, ее изгибы.

Звуки же, соответствовавшие линейкам, Гвидо обозначил буквами латинского алфавита. Их начертания стали впоследствии видоизменяться и в конце концов превратились в знаки, которые назвали ключами. А невмы, «усевшись» на линейки и между ними, со временем превратились в отдельные ноты, у которых головки сначала имели форму квадратиков. 3 Титул «папа римский» носит священнослужитель, возглавляющий католическую церковь как международную духовную организацию. Католицизм – одно из христианских вероучений наряду с православием и протестантизмом. 4 На латинском языке говорили древние римляне. После падения Римской империи в 476 году латинский язык постепенно перестал быть разговорным.

От него произошли так называемые романские языки – итальянский, французский, испанский, португальский. Слухи о новом способе нотации — прямо как о некоем чуде — дошли до папы римского Иоанна XIX. Он вызвал к себе Гвидо и сам спел по изобретённой записи неизвестную ему мелодию. В дальнейшем число параллельных линеек много раз меняли, случалось – увеличивали даже до восемнадцати. Лишь к концу XVII века «победил» теперешний пятилинейный нотоносец.

Использовали и много различных ключей. Только в XIX веке самыми употребительными стали скрипичный и басовый ключи.

После изобретения Гвидо д'Арёццо еще долго решали другую трудную задачу — как усовершенствовать нотацию, чтобы она указывала точное соотношение звуков не только по высоте, но и по длительности. Спустя некоторое время додумались использовать для этого нотные значки, различные по форме.Но к этому сначала добавлялось много условных правил, затруднявших применение на практике. И еще в течение нескольких веков постепенно вырабатывалась более удобная нотация — именно та, которой мы сейчас продолжаем пользоваться. После наступления XVII столетия ее усовершенствовали уже только в деталях. А ее ритмический принцип, который так долго искали, представляется теперь самым что ни на есть простым. Он состоит в том, что целая нота по длительности всегда равняется двум половинам — иным по начертанию, одна половина — двум четвертям, одна четверть — двум восьмым и так далее. Добавим, что тактовой чертой стали разделять такты в XVI веке, а размер в начале нотной записи — указывать в обязательном порядке с XVII века.

Впрочем, тогда существовали уже не только нотные рукописи, но и печатные ноты. Ибо нотопечатание началось вскоре вслед за изобретением книгопечатания — к концу XV столетия. Вопросы и задания 1. Чем была неудобна на практике буквенная нотация? Что подсказывали средневековым певчим невмы?

Что такое григорианский хорал и почему он так называется? Объясните суть изобретения Гвидо д'Арёццо. Какую следующую задачу надо было решить после изобретения Гвидо? С какого времени нотация больше существенно не изменялась? Как в музыке начало развиваться многоголосие Благодаря усовершенствованию нотации постепенно, особенно с XIII века, нотные рукописи стали все точнее расшифровываться. Это дало возможность знакомиться уже не только со сведениями о музыкальной культуре, но и с самой музыкой минувших эпох.

Успехи нотации не случайно совпали и с началом развития многоголосия — важного этапа в истории музыкального искусства. В Древнем мире и еще долгое время в Средние века музыка была, как правило, одноголосной. Существовали лишь отдельные несложные исключения. Например, певец исполнял песню и дублировал ее (то есть одновременно воспроизводил), играя на каком-нибудьинструменте. При этом голос и инструмент могли иногда немного разойтись, отклониться друг от друга и вскоре снова сойтись. Таким образом, в одноголосном звуковом потоке возникали и исчезали «островки» двухголосия. Но на рубеже первого и второго тысячелетий нашей эры многоголосный склад стал последовательно развиваться и в дальнейшем сделался господствующим в профессиональном музыкальном искусстве.

Это сложное и долгое формирование сосредоточилось главным образом в области католической церковной музыки. Дело началось с изобретения (кем — неизвестно) следующего приема. Одним певцом (или несколькими певцами) исполнялся главный голос — медленная плавная мелодия григорианского хорала. А второй голос двигался строго параллельно — точно в том же ритме, только все время на расстоянии октавы, или кварты, или квинты. Теперь на наш слух это звучит очень бедно, «пусто». Но тысячу лет назад такое пение, гулко раздаваясь под сводами церкви, собора, поражало и восторгало, открывало для музыки новые выразительные возможности. Через некоторое время церковные музыканты принялись искать более гибкие и разнообразные приемы ведения второго голоса.

А затем они стали все более искусно сочетать три, четыре голоса, позднее иногда и еще большее число голосов. Пространные песнопения с уже ясно отличавшимися друг от друга тремя и четырьмя голосами создавал в начале XIII века церковный музыкант Перотйн. Он был выдающимся представителем певческого искусства — парижской «Школы Нотр-Дам»(«Школы Богоматери»). Песнопения Перотина звучали в здании замечательной красоты. Это прославленный памятник средневековой готической архитектуры, описанный французским писателем XIX века ВикторомГюговзнаменитомромане«СоборПарижскойБогоматери». Так начала развиваться полифония. В переводе с греческого языка это слово означает «многоголосие».

Но полифонией называется только такой вид многоголосия, в котором одновременно звучат два или большее число равноправных голосов, причем каждый из них имеет свою самостоятельную мелодическую линию. Если же один голос ведет главную мелодию, а другие ему подчинены (сопровождают его, аккомпанируют ему), то это гомофония — другой. Вид многоголосия. Поскольку аккомпанемент имеет аккордовогармоническую основу, гомофонный склад музыкального изложения называют также гомофонно-гармоническим. Вопросы и задания 1.

С какого времени стали все точнее расшифровываться музыкальные рукописи? С каким важным новым этапом в истории музыкального искусства совпали успехи нотации?

Когда, в какой музыке и на основе каких мелодий начало последовательно формироваться многоголосие? Что представляло собой параллельное двухголосие? Спойте вдвоем несколько параллельных кварт, квинт и октав. В чем состоит различие между полифонией и гомофонией?

Как продолжала развиваться полифония В то время как в церковном пении начинало развиваться многоголосие, в светской музыке продолжало господствовать одноголосие. Расшифровано, например, множество записей одноголосных песен, которые в XII—XIVвеках сочиняли и исполняли средневековые поэты-певцы.На юге Франции, в Провансе, их называли трубадурами, на севере Франции — труверами, в Германии — миннезингерами. Многие из них были знаменитыми рыцарями и в своих песнях часто воспевали красоту и добродетель «прекрасной дамы», которой поклонялись.

Мелодии песен этих поэтов-певцовнередко были близки народным напевам, в том числе танцевальным, а ритм подчинен ритму стихотворного текста. Позднее, в XIV—XVIвеках, объединялись в цехи' немецкие поэты-певцыиз среды ремесленников, называвшие себя мейстерзингерами («мастерами-певцами»). Церковная полифония и светское песенное одноголосие не оказались изолированными друг от друга. Так, в голосах, которые добавлялись в духовных песнопениях к григорианскому хоралу, стало заметно влияние светских песен (например, песен трубадуров и труверов). Вместе с тем к концу XIII века во Франции появились чисто светские полифонические произведения, где партии всех голосов основывались на мелодиях песенного характера, а тексты сочинялись не на латинском, а на французском языке. Со временем в католической церковной музыке самым. Крупным музыкальным жанром стала месса.

В обычную мессу 5 входят шесть основных песнопений на молитвенные латинские тексты. Это «Кириё элёизон» («Господи, помилуй»), «Глория» («Слава»), «Кредо» («Верую»), «Санктус» («Свят»), «Бенедйктус» («Благословен») и «Агнус Дэи» («Агнец Божий»).

Первоначально григорианский хорал звучал в мессах одноголосно. Но примерно к XV веку месса превратилась в цикл из сложных полифонических частей 6.

При этом очень искусно стали использоваться имитации. В переводе с латинского «imitatio» означает «подражание». В музыке можно иногда подражать внемузыкальным звукам, например трелям соловья, кукованию кукушки, шуму морских волн.

Тогда это называется звукоподражанием или звукоизобразительностью. А имитация в музыке — такой прием, когда вслед за мелодией, заканчивающейся в одном голосе, другой голос точно (или не вполне точно) повторяет ее от другого звука. Затем таким же образом могут вступать другие голоса. В гомофонной музыке имитации могут появляться ненадолго. А в полифонической музыке это один из основных приемов развития. Он помогает делать мелодическое движение почти непрерывным: паузы и каденции одновременно во всех голосах встречаются в полифонической музыке лишь в виде редких исключений 7. Сочетая имитации с другими полифоническими приемами, композиторы сделали свои мессы большими хоровыми произведениями, в которых четыре или пять голосов переплетаются в сложную звуковую ткань.

В ней мелодию григорианского хорала уже трудно различить и так же трудно расслышать молитвенные слова. Появились даже мессы, где в качестве основных использованы мелодии популярных светских песен. Такое положение обеспокоило высшее католическое духовное начальство.

В середине XVI века оно собиралось вообще запретить многоголосное пение во время церковной службы. Но такой запрет не состоялся благодаря замечательному итальянскому композитору Палестрине, который почти всю жизнь провел в Риме и был близок к папскому двору (его полное имя — Джованни Пьерлуиджи да Палестрина, то есть «из Палестрины» — маленького городка неподалеку от Рима).

Палестрина своими мессами (а он написал их более сотни) сумел 5 Есть еще особые мессы, приуроченные к церковным праздничным дням. 6 Напомним, что цикл – произведение из нескольких отдельных частей (или пьес), объединенных общим замыслом.

7 Каденция (каданс) – мелодический и гармонический оборот, завершающий все музыкальное произведение или его раздел. Доказать, что полифонические сочинения, оставаясь очень искусными, могут 4звучать прозрачно и богослужебные тексты могут быть ясно слышны. Музыка Палестрины — одна из вершин старинной хоровой полифонии так называемого строгого стиля. Она переносит нас в мир просветленного возвышенного созерцания — словно излучает ровное, умиротворяющее сияние. Вопросы и задания 1.

Кто такие трубадуры, труверы, миннезингеры и мейстерзингеры? Есть ли связь между старинной церковной полифонией и светскими песенными мелодиями? Назовите основные части обычной мессы. Приведите примеры звукоподражания в музыке.

Что в музыке называется имитацией? Чего сумел достичь в своих мессах Палестрина? Рождение оперы. Оратория и кантата Перед самым началом XVII века — первого века исторического периода, называемого Новым временем, — в музыкальном искусстве произошло событие чрезвычайной важности: в Италии родилась опера. Музыка с давних времен звучала в различных театральных представлениях.

В них наряду с инструментальными и хоровыми номерами могли исполняться отдельные вокальные соло, например песни. А в опере актерами и актрисами сделались певцы и певицы. Их пение, сопровождаемое оркестром, в сочетании со сценическим действием стало передавать главное содержание спектакля.

Его дополняют декорации, костюмы, нередко также танцы — балет. Таким образом, в опере музыка возглавила тесное содружество разных искусств.

Это открыло перед ней новые большие художественные возможности. Оперные певцы и певицы стали с еще небывалой силой передавать личные душевные переживания людей — и радостные, и горестные. При этом важнейшим выразительным средством в опере явилось гомофонное сочетание солирующего певческого голоса с оркестровым сопровождением. И если до XVII века профессиональная музыка в Западной Европе развивалась в основном в церкви, а самым крупным жанром была месса, то затем главным центром стал музыкальный театр, а самым крупным жанром — опера. В конце XVI века в итальянском городе Флоренции собирался кружок. Поэтов, музыкантов, ученых и любителей искусств.

Они увлеклись мыслью создать новый вид выразительного сольного пения с сопровождением и соединить его с театральным действием. Так родились первые оперы, сюжеты которых взяты из античной мифологии.

Самая первая — «Дафна», сочиненная композитором Якопо Пери (совместно с Я. Кореи) и поэтом О.

Она была исполнена в 1597 году во Флоренции (произведение в целом не сохранилось). В древнегреческой мифологии Дафна — дочь речного божества Ладона и богини земли Геи. Спасаясь бегством от преследования Аполлона, она взмолилась о помощи богам и была превращена в лавр (по-гречески«дафна» — «лавр») — священное дерево Аполлона. Так как Аполлон считался богом — покровителем искусств, лавровым венком стали увенчивать победителей Пифийских игр, учредителем которых и считали Аполлона. Лавровый венок и отдельная ветвь лавра стали символами победы,славы,награды. Две другие оперы, сочиненные в 1600 году (одна — Я. Пери, вторая — Дж.

Каччини), обе называются «Эвридика», потому что в обеих использован один и тот же поэтический текст, основанный на древнегреческом мифе о легендарном певце Орфее. Первые итальянские оперы исполнялись во дворцах и домах знатных лиц. Оркестр состоял из немногих старинных инструментов.

Руководил им музыкант, игравший на чембало (итальянское название клавесина). Увертюры еще не было, и начало спектакля возвещали трубные фанфары. А в вокальных партиях преобладал речитатив, в котором музыкальное развитие подчинялось поэтическому тексту. Вскоре, однако, музыка начала приобретать в операх все более самостоятельное и важное значение. В этом велика заслуга первого выдающегося оперного композитора — Клаудио Монтеверди. Его первая опера — «Орфей» — была поставлена в 1607 году в Мантуе.

Ее герой — опять тот же легендарный певец, который своим искусством умилостивил Аида, бога подземного царства мертвых, и тот отпустил на землю Эвридику, горячо любимую жену Орфея. Но условие Аида — до выхода из его царства ни разу не взглянуть на Эвридику — Орфей нарушил и снова, уже навсегда, потерял ее. Этой печальной истории музыка Монтеверди придала небывалую лирическую и драматическую выразительность. Вокальные партии, хоры, оркестровые эпизоды стали в «Орфее» Монтеверди значительно более разнообразными по характеру. В этом произведении начал складываться напевный ариозный стиль — важнейшее отличительное качество итальянской оперной музыки. По примеру Флоренции оперы стали сочинять и исполнять не только в Мантуе, но и в таких городах Италии, как Рим, Венеция, Неаполь. Интерес к новому жанру начал возникать и в других европейских странах, и их 6.

Как Преобразовать Jpg В Pdf

Во Франции же в XVII веке возникла своя национальная опера, отличная от итальянской. Ее основоположник — Жан-БатистЛ юл л и — итальянец по происхождению.

Тем не менее он верно почувствовал особенности французской культуры и создал своеобразный французский оперный стиль. В операх Люлли большое место заняли, с одной стороны, речитативы и небольшие арии речитативного характера, а с другой — балетные танцы, торжественные марши и монументальные хоры. Вместе с мифологическими сюжетами, пышными костюмами, изображением волшебных чудес при помощи театральных машин все это соответствовало блеску и великолепию придворной жизни во времена царствования французского короля Людовика XIV. Первую в Германии оперу «Дафна» (1627) создал крупнейший немецкий композитор добаховской эпохи Генрих Ш ю т ц. Но музыка её не сохранилась. А для развития оперного жанра в стране еще не было условий: они по-настоящемусложились лишь с наступлением XIX века.

И в творчестве Шютца главное место заняли выразительные вокальноинструментальные сочинения на духовные тексты. В 1689 году в Лондоне была исполнена первая английская опера «Дидона и Эней» композитора замечательного дарования — Генри Пёрселла. Музыка этой оперы пленяет проникновенной лирикой, поэтичной фантастикой и колоритными народно-бытовымиобразами. Однако после кончины Пёрселла в течение почти двух столетий среди английских композиторов не оказалось выдающихся музыкальных творцов. На рубеже XVI—XVIIвеков одновременно с оперой и тоже в Италии родились оратория и кантата. Они по хожи на оперу тем, что в их исполнении тоже участвуют солисты, хор и оркестр, и тем, что в них тоже звучат арии, речитативы, вокальные ансамбли, хоры, оркестровые эпизоды.

Но в опере мы узнаем о развитии событий (сюжете) не только из того, что поют солисты, но и из того, что они делают и что вообще происходит на сцене. А в оратории и кантате сценического действия нет. Они исполняются в концертной обстановке, без костюмов и декораций. Но существует также разница между ораторией и кантатой, хотя и не всегда четкая.

Обычно оратория — произведение большего размера и с более развитым религиозным сюжетом. Он часто имеет эпико-драматическийхарактер. В связи с этим в ораторию нередко включается повествовательная речитативная партия певца-рассказчика.Особый тип духовных ораторий — «страсти», или «пассивны» (в переводе с латинского — «страдания»).

В «страстях» повествуется о страданиях и смерти Иисуса Христа, распятого на кресте. Кантаты в зависимости от содержания словесного текста разделяются на духовные и светские. В XVII веке и в начале XVIII века в Италии возникло много небольших, камерных кантат. Они состояли из чередования двух-трехречитативов с двумя-тремяариями. В дальнейшем стали распространенными кантаты преимущественно торжественного характера. Различные по построению духовные кантаты и «страсти» получили наибольшее развитие в Германии.

Вопросы и задания 1. Где и когда родилась опера? Объясните, чем опера отличается от театрального представления с музыкой. Какое выразительное средство самое главное в оперной музыке? Как называется первая опера Клаудио Монтеверди, и какие качества проявились в ее музыке?

Расскажите об особенностях старинных французских опер. Назовите первую оперу, написанную в Германии, и первую оперу — в Англии. В чем состоит главное отличие оратории и кантаты от оперы? Что такое «страсти» («пассивны»)?

Об инструментальной музыке XVII века, ее жанрах и формах Долгое время игрой на инструментах чаще всего дублировали партии голосов в вокальных произведениях или сопровождали танцы. Были также распространены инструментальные переложения вокальных сочинений. Самостоятельное развитие инструментальной музыки усилилось только в XVII веке.

При этом в ней продолжали развиваться художественные приемы, сложившиеся в вокальной полифонии. Они обогащались элементами гомофонного склада, опиравшегося на песню и танец. Одновременно на инструментальные сочинения стали влиять выразительные достижения оперной музыки. Скрипка наряду с блестящими виртуозными возможностями обладает очень певучим голосом. И именно на родине оперы, в Италии, скрипичная музыка стала развиваться особенно успешно. В конце XVII века расцвело творчество Арканджело Корелли и началась творческая деятельность Антонио Вивальди. Эти выдающиеся итальянские композиторы создали множество инструментальных произведений с участием и с ведущей ролью скрипки.

В них скрипка может петь так же выразительно, как человеческий голос в оперной 8. Арии, и увлекательно развертывать виртуозное пассажное движение. В наследии Корелли и Вивальди большое место принадлежит жанру трио-сонаты.В большинстве трио-сонатдве главные партии исполняют скрипки, а третью партию — партию сопровождения — клавесин или орган, причем басовый голос удваивается виолончелью или фаготом. Вслед за трио-сонатойпоявились соната для скрипки или другого инструмента в сопровождении клавесина,. А также кончерто гроссо — концерт для оркестра (сначала — струнного).

Многим произведениям этихжанровсвойственна форма старинной сонаты. Обычно это цикл из четырех частей с соотношением по темпу «медленно—быстро— медленно—быстро».Несколько позднее, уже в XVIII веке, Вивальди стал сочинять сольные концерты для скрипки и некоторых других инструментов с сопровождением оркестра.

Там установился цикл из трех частей: «быстро— медленно— быстро». Еще в Древнем Египте начал свою многовековую историю орган. К XVII веку он стал очень сложным по конструкции инструментом с широкими художественными возможностями. Маленькие органы можно было встретить тогда даже в частных домах. Их использовали для учебных занятий, на них разыгрывали вариации на мелодии народных песен и танцев. А большие органы со сверкающими рядами труб, с деревянными корпусами, украшенными резьбой, звучали, как и теперь, в церквах и соборах.

В наше время органы имеются также во многих концертных залах. В современных органах несколько тысяч труб и до семи клавиатур (мануалов), расположенных одна над другой — как лестничные ступеньки. Труб так много потому, что они разделяются на группы — регистры.

Регистры включают и переключают специальными рычагами, чтобы получить другую окраску (тембр) звучания. Органы снабжены также педалью. Это целая ножная клавиатура из многих больших клавиш. Нажимая на них ногами, органист может извлекать, а также длительно выдерживать басовые звуки (такие выдержанные звуки тоже называются педалью или органным пунктом). По богатству тембров, по возможности сопоставить легчайшее пианиссимо с громоподобным фортиссимо орган не имеет себе равных среди музыкальных инструментов.

В XVII веке органное искусство достигло особенно высокого расцвета в Германии. Как и в других странах, немецкие церковные органисты являлись одновременно и композиторами, и исполнителями. Они не только сопровождали духовные песнопения, но и солировали. В их числе было немало талантливых виртуозов и импровизаторов, которые привлекали своей игрой целые толпы народа. Один из самых замечательных среди них — Дитрих Букстехуде.

Послушать его игру приходил пешком из другого города молодой Иоганн Себастьян Бах. В разнообразном и обширном творчестве Букстехуде представлены основные типы органной музыки того времени. С одной стороны, это прелюдии, фантазии. В них полифонические эпизо ды свободно чередуются с импровизационными — пассажными и аккордовыми. С другой стороны, это более строго построенные пьесы, которые привели к возникновению фуги — самой сложной формы имитационной полифонии.

Букстехуде сделал также много органных обработок протестантского хорал а в виде хоральных прелюдий. В отличие от григорианского хорала это — общее название духовных песнопений не на латинском, а на немецком языке. Они появились в XVI веке, когда от католицизма отделился новый вид христианского вероучения — протестантизм.

Мелодической основой протестантского хорала послужили немецкие народные песни. В XVII веке протестантский хорал стали исполнять хором все прихожане при поддержке органа. Для таких хоровых обработок типичен четырехголосный аккордовый склад с мелодией в верхнем голосе. Впоследствии такой склад стали называть хоральным, даже если он встречается в инструментальном произведении.

Органисты играли также на струнно-клавишныхинструментах и сочиняли для них. Общее название произведений для этих инструментов — клавирная музыка 8.

Первые сведения о струнно-клавишныхинструментах относятся к XIV— XV векам. К XVII веку самым распространенным из них стал клавесин. Так его называют во Франции, в Италии его именуют чембало, в Германии — кильфлюгель, в Англии — харпсихорд. Название инструментов меньшего размера во Франции — эпинет, в Италии — спинетов Англии — вёрджинел. Клавесин — предок фортепиано, которое начало входить в обиход с середины XVIII века. При нажиме на клавиши клавесина перышки или кожаные язычки, насаженные на стерженьки, как бы щиплют струны.

Получаются отрывистые, звонкие и вместе с тем немного шуршащие звуки. На клавесине от силы удара по клавишам сила звука не зависит. Поэтому на нем нельзя делать крещендо и диминуэндо — в отличие от фортепиано, на котором это возможно благодаря более гибкому соединению клавиш с молоточками, ударяющими по струнам. У клавесина может быть две или три клавиатуры и имеется устройство, позволяющее изменять окраску звука. Звучание еще одного небольшого клавишного инструмента — клавикорда — более слабое, чем звучание клавесина.

Но зато на клавикорде возможна более певучая игра, потому что его струны не защипываются, а на них нажимают металлические пластинки. Один из главных жанров старинной клавесинной музыки — сюита из нескольких законченных по форме частей, написанных в одной 8 Некоторое время клавирной называли музыку для всех клавишных инструментов, включая клавишно-духовойинструмент – орган. В каждой из частей обычно используется движение какоголибо танца.

Основу старинной сюиты составляют четыре танца различного, не всегда точно выясненного национального происхождения. Это неспешная аллеманда (возможно, родом из Германии), более подвижная куранта (родом из Франции), медленная сарабанда (родом из Испании) и быстрая жига (родом из Ирландии или Англии). С конца XVII века по примеру парижских клавесинистов сюиты стали дополнять такими французскими танцами, как менуэт, гавот, бурре, паспье.

Они вставлялись между основными танцами, образуя интермедийные разделы («intег» в переводе с латинского означает «между»). Старинную французскую клавесинную музыку отличают изящество, грация, обилие мелких мелодических украшений, например мордентов и трелей. Французский клавесинный стиль расцвел в творчестве Франсуа Куперена (1668 – 1733), прозванного Великим. Он создал около двух с половиной сотен пьес и объединил их в двадцать семь сюит.

В них постепенно стали преобладать пьесы с разнообразными программными названиями. Чаще всего это как бы миниатюрные клавесинные женские портреты — меткие звуковые зарисовки какой-нибудьчерты характера, внешности, манеры поведения. Таковы, например, пьесы «Сумрачная», «Трогательная», «Проворная», «Рассеянная», «Озорница». К французской клавесинной музыке, в том числе к пьесам Франсуа Куперена, проявил большой интерес его великий современник Иоганн Себастьян Бах. Вопросы и задания 1.

Когда усилилось самостоятельное развитие инструментальных жанров? Назовите любимый инструмент Арканджело Корелли и Антонио Вивальди. Расскажите об устройстве органа. В какой стране органное искусство достигло особенно высокого расцвета?

Что такое протестантский хорал? Расскажите об устройстве клавесина. Движения каких танцев использованы в основных частях старинной клавесинной сюиты? Итак, вводный раздел учебника кратко познак омил с некоторыми важными событиями в мире музыки начиная с древних времен. Это была историческая «экскурсия» с целью помочь в дальнейшем знакомству с наследием великих западноевропей ских музыкантов, творивших в XVIII и XIX веках. Иоганн Себастьян Б а х 1685-1750 Удивительна судьба музыки этого великого немецкого композитора, со дня рождения которого прошло более трехсот лет. При жизни он получил признание преимущественно как органист и знаток музыкальных инструментов, а после смерти был почти забыт на несколько десятилетий.

Но затем постепенно стали словно заново открывать его творчество и восхищаться им как драгоценным художественным сокровищем, непревзойденным по мастерству, неисчерпаемым по глубине и человечности содержания. — Море должно быть ему имя». Так сказал о Бахе другой музыкальный гений — Бетховен 9. Баху удалось самому издать лишь очень небольшую часть своих произведений. Теперь их опубликовано более тысячи (еще немало утеряно). Первое полное собрание сочинений Баха начали печатать в Германии через сто лет после его кончины, и оно заняло сорок шесть объемистых томов. А хотя бы примерно сосчитать, сколько всего напечатано и сколько продолжают печатать в разных странах отдельных изданий баховской музыки, невозможно.

Так велик непрекращающийся спрос на нее. Ибо она занимает обширное и почетное место не только в мировом концертном репертуаре, но еще и в учебном. Иоганн Себастьян Бах продолжает быть учителем буквально всех, кто занимается музыкой. Он – учитель серьёзный и строгий, требует умения сосредоточиться, чтобы овладеть искусством исполнения полифонических произведений. Но тот, кто не побоится трудностей и внимательно отнесется к его требованиям, почувствует за его строгостью мудрую и сердечную доброту, которой он учит своими прекрасными бессмертными творениями. 9 «Бах» в переводе с немецкого означает «ручей».

Жизненный путь Род, семья, детство. Иоганн Себастьян Бах родился в 1685 году в Тюрингии — одной из областей Центральной Германии, в небольшом городе Эйзенахе, окруженном лесами.

Конвертер Pdf В Word Скачать

В Тюрингии тогда еще ощущались тяжелые последствия Тридцатилетней войны (1618— 1648), в которой столкнулись между собой две большие группировки европейских держав. Эту опустошительную войну довелось пережить предкам Иоганна Себастьяна, тесно связанным с немецкой ремесленной и крестьянской средой. Его прапрадед по имени Файт был булочником, но так любил музыку, что не расставался с цитрой — инструментом, похожим на мандолину, даже во время поездок на мельницу играл, пока мололась мука. А среди его потомков, расселившихся по Тюрингии и соседним областям, оказалось так много музыкантов, что каждого, кто занимался этой профессией, там стали называть «Бахом».

Преобразовать Пдф В Jpeg

Это были церковные органисты, скрипачи, флейтисты, трубачи, некоторые проявили композиторское дарование. Они состояли на службе у городских муниципалитетов и при дворах властителей мелких княжеств и герцогств, на которые была раздроблена Германия. Дом в Эйзенахе, где родился И.С.Бах.